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文·段宏刚

所有绘画艺术都是对现实生活的再现、感悟和升华，中国画也不例外。

总体来说，一个时代的绘画是什么样的形态，遵循哪些艺术理念？并不是一成不变的，而是跟时代背景、文化导向、审美情趣，乃至经济状况和社会环境等方面息息相关。

中国画在古代并不是一直追求“画得像”，确切来说，唐代以前的中国画相当写实，从造型、色彩、结构等方面，画家们都追求画得像，高度还原物象的本色，以体现物象最真实的一面。

从宋代开始，“文人画”兴盛起来之后，中国画逐渐以写意为主，忽略神似而注重神韵和笔情墨趣的体现。

之所以会出现这种根本性的变化，主要有两大方面的原因。

第一，跟宋代的文化导向有关。

宋代是一个重文轻武的时代，大部分画家由文人士大夫来担当，在这种现实状况下，画家首先必须是文化修养很深厚的文人，然后才是书画家。

在这种文化导向的影响下，文人们在作画时，应该像创作文学作品一样，以托物言志、借景抒情的方式，给画面中凝注个性气质、思想情感、人格理想等元素，让绘画成为一种集合诗书画印为一体的综合艺术。

要达到诗书画印为一体，画家必须成为综合文化修养很高的文人才行，像北宋的苏轼、黄庭坚、文同、米芾，南宋的刘松年、李唐、夏圭、马远，元明清的赵孟、唐伯虎、董其昌、徐渭、郑板桥、八大山人等名垂青史的大画家，他们在本质上其实都是文人，会画画只是他们众多技艺里的一项。

第二，跟“盛极必衰，物极必反”有关。

唐代到宋代，是中国画在写实方面达到顶峰的时期，诞生了许多著名的写实作品。比如，唐代韩干的《牧马图》和韩滉的《五牛图》，张萱和周昉的仕女图，宋徽宗的花鸟画，张择端的《清明上河图》，范宽的《溪山行旅图》，南宋马远的《踏歌图》，等等，都以工细精准的写实技法著称于世。

当任何事物走向巅峰之后，接下来肯定会步入衰落，这是一种不可逆转的必然。中国画也一样，当写实走到尽头后，为了延续中国画的生命力，具有创新意识的画家们必然会从相反的方向进行探索，这给写意提供了丰厚的生存土壤。

唐代之前的中国画追求画得像，遵循的绘画理念主要有以下几个：

其一，东晋绘画大师顾恺之提出的“以形写神”。

唐朝以前，中国画以人物画为主，东晋画家顾恺之无疑是中国美术史上非常重要的人物画家代表之一。他在几十年的创作经验里，总结出一句绘画理念的名言：“以形写神而空其实对，荃生之用乖，传神之趣失矣。”

意思是说，画人物画时，必须以生动、精确的形象来表现人物的内在精神，如果没有了具体形象作为参照，人物画就谈不上传神。

其二，南梁著名画家和理论家谢赫提出的“应物象形”。

谢赫是中国美术史上第一位理论家，关于中国画的创作和欣赏，他提出了著名的“谢赫六法”，分别是气韵生动，骨法用笔，应物象形，随类赋彩，经营位置，传移摹写。

“应物象形”是说画家在描绘物象的造型时，必须以客观物象作为依据，简单来说，就是画什么必须是什么。比如说画马，马的脸部修长，身形矫健，四肢细长，肌肉结实，整体呈现出优美的流线型，这些是马的基本特征，画家在画马时，必须把这些特征如实地反映出来，才算画出合格的马。若把马画成驴或者骡子的样子，肯定是失败的作品。

其三，唐代著名绘画理论家张璪提出的“外师造化，中得心源”。

“外师造化，中得心源”是说，画画要基于现实，为了体现物象造型的美感，画家必须参照大自然里的物象进行模仿，但艺术之美依靠模仿获得并不完整，画家还必须在作品里凝注自己的情思和构想。

张璪的这句话常常被画家们用作写生时的理论指导，既肯定了写实的重要性，也肯定了写意的作用，可以看作是中国画从写实向写意过渡时的一种艺术经验的总结。

进入宋代以来，中国画呈现出多元化发展的局面，写意逐渐成为主流，不再把画得像看作是中国画主要的表现方式，诞生了许多著名的绘画理念，主要有以下几个。

其四，北宋艺术巨匠苏轼总结的“不求神似”。

苏轼“不求神似”的绘画理念体现在他的许多言谈里，在五言长律《书鄢陵王主簿所画折枝二首》里，苏轼写道：论画以形似，见与儿童邻。赋诗必此诗，定知非诗人。诗画本一律，天工与清新。边鸾雀写生，赵昌画传神。何如此两幅，疏淡含精匀。谁言一点红，解寄无边春。

这些诗句阐述了谈论国画，衡量国画好坏时所遵循的依据。首句直接提出看画如果只看画得像，是非常幼稚的见解。

整首诗强调了神似的重要性，但不等于不要形似。要形似还是神似，是创作和欣赏国画的着眼点不同罢了。

后来，苏轼在《又跋汉杰画山》一文里说的一句话更为直接，出现了贬低形似而抬高神似的情况，他说：“观士人画，如阅天下马，取其意气所到。乃若画工，往往只鞭策、毛皮、槽枥、刍秣，无一点俊发，看数尺便倦。”

苏轼之所以这样说，是因为他此时敏感地意识到中国画很快将步入“写心”的时代，这是历史的必然。

我们常说国画要追求神似或神韵，这个“神”实际上是苏轼第一次提出来的，特指艺术家的主观精神。苏轼因为是中国美术史上开宗立派的艺术巨匠，在他的倡导下，自元代起，“心画”，也就是追求写意和神似的国画很快成为绘画的主流。

其五，北宋著名绘画评论家和鉴赏家郭若虚提出的“画乃心印”。

郭若虚跟苏轼是同一时代人，作为中国美术史上著名的绘画评论家，他在自己的著作《图画见闻录》里提出了许多振聋发聩的艺术见解，最著名的无疑是“画乃心印”，原话这样说：谓之心印，本自心源，想成形迹，迹与心合，是之谓印。

绘画是心灵印迹的自然流露。

可以说，这四个字对美术史的影响很深，至今是国画在创作和欣赏层面的金玉良言。

当然，宋代之后跟写意有关的绘画理念还有许多，本文就不再赘述，喜欢美术史的朋友可以自己去查找和学习。

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